Carmen

Zu diesem Abend

Moved by the Motion widmet sich der berühmten Tragödie Carmen. Ursprünglich von Prosper Mérimée geschrieben und von Georges Bizet in eine der ikonischsten Opern aller Zeiten verwandelt, wurde die Geschichte von Carmen auf vielfältige Weise adaptiert, inspirierte die Populärkultur und prägte mit ihren Themen Liebe, Tod und Befreiung das kollektive Gedächtnis. Moved by the Motion arbeitet fliessend zwischen Sprache, Bewegung, Bild und Gesang und inszeniert, gemeinsam mit einem multidisziplinären Ensemble, eine Ode an Carmen in all ihren rebellischen Formen.

In Zusammenarbeit mit Autorin Sophia Al-Maria und Komponistin Andrew Yee gräbt Moved by the Motion das vielschichtige Erbe von Carmen aus, um eine genreübergreifende Adaption zu schaffen. Indem sie Dialoge aus Bizets ursprünglicher Opéra-Comique mit einer zeitgenössischen Nebenhandlung, inspiriert durch die Novelle von Prosper Mérimée, verweben, erzählen sie eine Geschichte, die Zeiten transzendiert – zwischen einem fiktiven Sevilla des 19. Jahrhunderts und der Gegenwart. Mérimées Erzähler, ein Archäologe, wird zur Doktorandin der Universität von Sevilla (untergebracht in der ehemaligen Tabakfabrik aus dem 19. Jahrhundert), die nach einer Grabstätte aus der Zeit des Spanischen Bürgerkriegs sucht. Eine Erzählung, die in der Geschichte und im Gedächtnis gräbt und die Wiederholung der immer gleichen tragischen Geschichte freilegt.

Interview

Während der Proben zu Carmen trafen sich Moved by the Motion und ihre Mitarbeiterin Sophia Al-Maria mit Kunsthaus Direktorin Ann Demeester zum Artist Talk im schwarzescafé, Löwenbräukunst, um über ihre Zusammenarbeit, die letzten 5 Jahre am Schauspielhaus Zürich und die bevorstehende Premiere Carmen zu sprechen. Dies ist ein Auszug aus dem Gespräch, das auf Englisch geführt wurde und erscheint an dieser Stelle demnächst in deutscher Sprache.

Ann Demeester: Seit 2019 seid ihr auf verschiedene Weise mit dem Schauspielhaus verbunden. Ihr arbeitet jetzt auf das Ende von 5 Jahren hin, aber das wird wahrscheinlich nicht das Ende von allem sein. Meine erste Frage ist eine, die mir täglich in der Museumspraxis begegnet: Die Leute sind oft verwirrt über die individuelle oder genauer, die Idee der individuellen Autorschaft, aber noch mehr über die Idee der kollektiven Autorschaft und der Zusammenarbeit. Es ist eine Art Rätsel, das die Leute unbedingt verstehen wollen. Und ihr seid ein Paradebeispiel für kollektive Kreativität oder kollektive Autorenschaft in allen Formen transdisziplinärer Zusammenarbeit. Könnt ihr uns einen Einblick geben, wie das funktioniert?

Wu Tsang: Wir arbeiten zwar seit vielen Jahren zusammen, aber meistens konnten wir nicht kontinuierlich zusammenarbeiten. Einer der Hauptgründe, warum wir die Einladung, für das Schauspielhaus nach Zürich zu gehen, angenommen haben, war, dass wir das als eine Gelegenheit empfanden, unsere Zusammenarbeit zu vertiefen. Diese Zeit und dieser Ort haben sich für uns als unglaublich fruchtbar erwiesen.

Josh Johnson: Es ist im Grunde eine Ausrede, um mehr Zeit und Raum miteinander zu verbringen, und es ist einfach schön, mit dem fortzufahren, was wir tun, ob wir arbeiten oder nicht. Zeit zu teilen. Das ist wirklich schön. Ich denke, das ist meistens unser Ausgangspunkt.

Tosh Basco: Ich kann diese Frage nur mit einem Beispiel beantworten: Ich habe dieses Bild von einem Spiel im Kopf, das ich als Kind gespielt habe. Es ist ein Spiel, bei dem eine Gruppe von Menschen ihre Hände auf die Hände der anderen legt und dann noch eine Hand und noch eine und noch eine und noch eine. Ich habe das Gefühl, dass die Arbeit so vor sich geht: Wir füllen den Raum immer weiter, aber es ist auch eine Art Festhalten. Oder vielleicht würde ich sagen, es ist genauso sehr ein Raum wie ein Gebäude. Und ich denke, da wir alle unterschiedliche Hintergründe in Bezug auf die Formen und Medien haben, mit denen wir arbeiten, ist es eine gute Möglichkeit, auf unsere Perspektiven und Erfahrungen zu reagieren und sie in die Performance einfliessen zu lassen.

Ann Demeester: In den fünf Jahren, die ihr jetzt am Schauspielhaus seid, habt ihr den Roman Moby Dick neu interpretiert oder neu gedacht. Und ihr habt ein klassisches englisches Stück neu interpretiert, Der Sturm von William Shakespeare. Und jetzt kommt die populärste Oper aller Zeiten, die damals die Obsession mit Spanien in Europa ausgelöst hat: Carmen. Es scheint fast programmatisch und systematisch zu sein, dass ihr euch mit all diesen verschiedenen Genres beschäftigt. Meine erste Frage wäre also eine geschlossene: Ist das wirklich ein systematisches Programm, das all diese Genres abdeckt? Die andere Frage ist offener: Was bedeutet es, dass die Arbeit an einem Roman, einem Theaterstück oder einer Oper sehr unterschiedlich ist? Wie wirkt sich das auf die Zusammenarbeit aus?

Tosh Basco: Mir gefällt das Wort «programmatisch» . Was auch immer es für jemanden konkret bedeutet. Für mich ist dieses Wort ein Ort der Reibung, ein Ort der Uneinigkeit. Und es ist für mich überraschend, aber auch sehr fruchtbar, mit Geschichten zu arbeiten, mit Mythen, mit Dingen, die erzählt und wieder erzählt werden. Es war für mich eine Gelegenheit, über die Geschichten nachzudenken, die ich mir selbst erzähle, über die Realität, die Gesellschaft, mich selbst oder über Beziehungen. Und um an die Grenzen dessen zu stossen, was ich in diesen Geschichten akzeptiert habe. Ich weiss nicht, ob das systematisch war. Es hat mir immer Spass gemacht, die Stücke als «exquisite corpse» zu betrachten. Es ist das Spiel, ein Stück Papier zu falten und nur an den Rändern des Vorgängers zu zeichnen. Darüber nachzudenken, wie diese Dinge miteinander verbunden sind, auch wenn sie völlig losgelöst von Ort, Zeit oder Ursprung sind.

Sophia Al-Maria: Ich denke an das, was du über die Aufregung über einige dieser Dinge gesagt hast. Zum Beispiel, dass Carmen der Teufel genannt wird... Die meisten dieser Texte, mit Ausnahme von Shakespeare, stammen aus dem 19. Jahrhundert. Es fühlt sich wirklich gut an, sich mit etwas zu beschäftigen, von dem wir dachten, dass wir es kennen. Genau zu lesen, was Sinn macht und was nicht. Aber diese Dinge als das zu nehmen, was sie sind, und zu versuchen, nicht das Naheliegende zu tun, nämlich sie zu beurteilen, zu verwerfen und zu überarbeiten, sondern sie so darzustellen, wie man es kann oder will. Im wirklichen "Wir" zu sprechen. Carmen war für mich ein wirklich wichtiger Teil unserer Zusammenarbeit, denn meine erste und unmittelbare Reaktion ist immer so etwas wie: Warum muss Carmen sterben? Warum nicht dieses oder jenes? Aber in den Gesprächen mit Wu ist das anders, weil wir normalerweise alle an einem Tisch sitzen. Wo alle anderen in Aktion treten, ist sie für mich so etwas wie die ruhige Hand in den Texten.

Wu Tsang: In gewisser Weise glaube ich, dass unser Ansatz traditioneller ist, weil wir gerne mit der Vorgabe spielen, der Geschichte «treu» zu bleiben und der Handlung zu folgen. Anstatt zu versuchen, den Tod von Carmen zu verändern, interessieren wir uns dafür, warum der Tod einer Figur wie Carmen so populär ist. Was ist das Besondere an diesem Mythos, der so viele von uns anspricht? Carmen ist seit vielen Jahren ein Traumprojekt, schon bevor wir nach Zürich kamen. In Carmens Geschichte geht es um Fragen der Performativität, des Begehrens und des Blicks von aussen. Ihre «Perspektive» ist durch so viele Schichten von Projektion und Exotisierung vermittelt, dass ihr Inneres in gewisser Weise unzugänglich bleibt. Wir arbeiten gerne mit dieser Unzugänglichkeit. In gewisser Weise unterscheidet sie sich gar nicht so sehr vom weissen Wal in Moby Dick oder dem nichtmenschlichen Baumbewusstsein in Pinocchio. Diese Arten von Geschichten lassen sich nicht auf die Erzählung einer einzelnen Person reduzieren, und in jedem Fall versuchen wir, über den Tod hinauszugehen. Sophia und ich nennen diese drei Geschichten unsere «Trilogie des Lebens nach dem Tod».

Ann Demeester: Es ist interessant, dass du sagst, dass das, was du tust, vielleicht traditionell ist. Denn wir sitzen hier in diesem Raum, umgeben von Kunstwerken von Elaine Sturtevant. Sie hat ein ikonisches Werk von Martial Raysse wieder erarbeitet, und ich glaube, dass viele Leute damals nicht verstanden haben, was das ist. Warum kopiert sie Werke ihrer Zeitgenossen? Werke, die noch nicht kanonisiert sind, aber auf dem Weg dorthin. Es ist also eine Wiederholung und es scheint eine Art Laudatio zu sein, aber auch eine Dekonstruktion, die man nicht wirklich versteht, denn wenn etwas noch keine Ikone ist, kann man es nicht angreifen oder dekonstruieren. Und ich hatte das Gefühl, dass du gerade einen ähnlichen Mechanismus beschrieben hast wie alles, was du am Schauspielhaus machst, nämlich bestimmte Geschichten zu ehren, sie teilweise zu dekonstruieren, sie aber auch zu bekräftigen. Ich erinnere mich an diese Rezension des Werks von Helen Oyeyemi, einer Autorin, auf die ich heute oft zurückkomme. Sie wiederholt den Mythos nicht, sondern zeigt, dass Mythen immer wiederkehren und dass sich die Geschichte mit jedem neuen Licht, das auf sie fällt, verändert. Als wäre es eine fortlaufende Geschichte ohne Wiederholung. Als Teil des Zürcher Publikums bin ich gespannt, wie es weitergeht. Ich kann es kaum erwarten, dass Carmen auf Der Sturm folgt. Du hast gesagt, Wu, dass Carmen immer eine Art Lieblingsprojekt war. Kannst du noch einmal beschreiben, warum? Warum war es von Anfang an so, ist es seit 10 Jahren so? Was hat Carmen zu dem ultimativen Projekt gemacht, das du machen wolltest?

Wu Tsang: Vor vielen Jahren hatten wir ein Gespräch mit unserem langjährigen Kollaborateur Fred Moten, und ich fragte ihn: Wenn du eine Oper machen könntest, welche wäre das? Ich war sehr überrascht, dass er Carmen sagte, denn ich dachte zunächst, es sei eine sehr populäre Oper und keine anspruchsvolle. Aber natürlich wurde diese Annahme zum Ausgangspunkt für unsere Erforschung der Funktion des Populären in Carmen. Warum ist diese Musik nach all den Jahren so eingängig und wiedererkennbar? Es gibt so viele schöne und dunkle Schichten, die wir mit unserer Komponistin Andrew Yee erforschen konnten. Vielleicht ist es auch eine Sensibilität, die wir als Moved by the Motion alle teilen: Wir lieben die Grauzone zwischen dem Vertrauten und dem, was uns innehalten, hinterfragen und darunter schauen lässt. Denn das, was sich darunter verbirgt, ist oft sehr kraftvoll.

Sophia Al-Maria: Ich fand es toll, dass ihr unsere Umgebung mit einbezogen habt. Ich hatte diese Werke noch nie gesehen, aber sie haben mich zum Nachdenken darüber angeregt, dass Mythen, Geschichten und Theaterstücke im Grunde wie das unendlich reproduzierbare Original sind. Es ist wie eine wiederholte Geschichte oder Tradition, die in vielerlei Hinsicht der gelebten Vergangenheit am nächsten kommt. Balladen für Kinder, Wiegenlieder, Lieder, Melodien, die man hört, und ich glaube, das hat viel mit Ikonographie und Reproduktion zu tun, die in den letzten hundert Jahren so sehr Teil der Kunst waren.

Impressum

Redaktion: Helena Eckert
Fotografie: Inès Manai

Spielzeit 2023/24
Intendanz: Benjamin von Blomberg / Nicolas Stemann

Offizielle Ausstatter des Schauspielhauses Zürich:
MAC Cosmetics, Optiker Zwicker, Ricola, Südhang Weine, Tarzan Swiss Streetfashion